Critique du théâtre “La tragédie de Macbeth” – The Hollywood Reporter

Cela en dit long sur les réalisations de Saoirse Ronan, à seulement 27 ans, que la nouvelle de ses débuts sur scène au Royaume-Uni a été accueillie avec le niveau d’excitation qui pourrait accompagner un vétéran d’Hollywood. Mais alors qu’elle est au sommet de ses pouvoirs à l’écran, Ronan est encore novice dans le théâtre. C’était donc une perspective intrigante, tout comme le jumelage de Ronan avec James McArdle – déjà un artiste de scène accompli – et la question de ce que ces jeunes acteurs offriraient aux M. et Mme les plus ignobles de Shakespeare.

La réponse est quelque chose de remarquable. Ni l’un ni l’autre ne déçoit, et ensemble, ils sont sensationnels, dans ce qui ressemble à un meilleur générationnel Macbeth. La réalisatrice Yaël Farber a conçu une interprétation puissante de la pièce qui étend de manière imaginative le temps de scène de Lady Macbeth en tant que moitié d’un couple désormais jeune, viril et insensible, qui est la proie du genre de dépassement qui est attisé dans la chambre et dont la perte mutuelle est spectaculaire en mouvement.

C’est une production atmosphérique, implacablement intense, viscérale, mais en même temps avec des traits d’humour inattendus, une énergie sexuelle et une véritable accessibilité. Avec la majorité des voix sur scène qui sonnent réellement écossaises – et le personnage principal de McArdle portant même un kilt pendant une longue période – pour une fois, l’euphémisme « la pièce écossaise » convient parfaitement.

Farber a déjà eu affaire à des sorcières, pour ainsi dire, avec son excellente production Old Vic 2014 de Le creuset (par coïncidence, les débuts de Ronan à Broadway étaient dans un autre Creuset, deux ans plus tard). Le réalisateur apporte la même intelligence et la même férocité terrifiante à Macbeth, ainsi qu’une capacité à donner l’impression qu’une pièce est ici et maintenant. Et avec le concepteur de l’émission précédente, Soutra Gilmour, et le concepteur d’éclairage Tim Lutkin à bord, elle crée une atmosphère et un ton tout aussi enivrants.

La scène circulaire de Gilmour est nue à part quelques accessoires très utilisés, notamment deux grandes vitres mobiles, un respirateur rudimentaire et un robinet industriel rouillé s’élevant de façon inquiétante du rebord de la scène. En fait, la pièce s’ouvre sur l’ensemble des acteurs qui se lavent les mains à tour de rôle ; à la fin, Macbeth et Macduff se battront dans une inondation. Malgré le minimalisme, il s’agit d’une configuration incroyablement dynamique, à laquelle Lutkin ajoute des projecteurs dramatiques, des bandes de brouillard ou des ombres magnifiquement graduées.

Le compositeur Tom Lane et le concepteur sonore Peter Rice s’associent pour insuffler à cet espace un paysage sonore continu qui comprend un étrange drone électronique, des chuchotements et l’écho occasionnel de lignes, la violoncelliste omniprésente Aoife Burke (dont le jeu apporte mélancolie et pressentiment à de nombreuses scènes) , et des chants passionnés avec l’aimable autorisation de Lady Macduff d’Akiya Henry.

Pourtant, l’atmosphère d’un autre monde n’est qu’une partie de l’histoire. Les costumes de Joanna Scotcher sont modernes, de l’équipement de combat des soldats costauds, en sueur et aguerris au combat de Macbeth (qui ont en fait l’air d’être utiles dans un combat) à la garde-robe éblouissante de Lady Macbeth aux Wyrd Sisters, qui sont élégamment pantalons- adapté et loin des vieilles mamies caquetantes.

En effet, le sentiment dominant est celui d’un monde familier au bord de la dystopie et de la destruction, avec à la fois le coronavirus (le réservoir d’oxygène est pour le roi Duncan infirme de William Gaunt) et le réchauffement climatique occupant une place importante dans le symbolisme. Nous n’avons aucun doute sur le fait que même si le surnaturel peut provoquer la tragédie, il est d’origine humaine.

Alors que Macbeth et Banquo (Ross Anderson) rencontrent les sorcières et que McArdle se lance dans la balançoire de Macbeth entre l’opportunisme et l’hésitation quant à la valeur de forcer son ascendant, Ronan est assis en silence au fond de la scène. Dans une combinaison blanche élégante, ses cheveux blonds coupés courts, elle est une présence énigmatique séduisante et glaciale. Se déplaçant sur le devant de la scène pour attendre l’arrivée de son mari dans leur château, elle s’allonge sur leur lit, se familiarisant délicieusement avec les options soudaines du couple. Et alors qu’elle saute dans les bras de son mari, les mots “Great Glamis” portent une combinaison désinvolte d’insinuations sexuelles et d’ambition rampante.

Ronan conserve son accent irlandais pour la pièce, ce qui établit astucieusement un lien celtique avec ce milieu écossais tout en faisant paraître sa Lady Macbeth en quelque sorte à part des autres. La douceur chantante de sa voix ajoute également un contraste déconcertant avec la certitude et la manipulation initiales et insensibles du personnage, alors qu’elle utilise la libido de Macbeth (il ne peut pas garder ses mains loin d’elle) pour le pousser vers le meurtre.

Le changement de bâton d’intention malveillante entre le couple est prononcé ici de manière passionnante, avec des marqueurs révélateurs dans la chambre à coucher; plus tard, dans le même lit, elle tournera le dos à son partenaire de délire alors qu’elle se réconcilie avec le monstre qu’elle a déchaîné. Sa deuxième rencontre avec les sorcières n’est pas sur la bruyère, mais dans le lit (l’une d’elles tient Macbeth maternellement dans ses bras), tandis que sa femme prie en arrière-plan. La témérité fantomatique de Banquo à enjamber les draps en dit long.

La descente de Lady Macbeth dans la folie culpabilisante s’est toujours sentie un peu sous-tendue, et l’intervention la plus frappante de Farber est d’y remédier, avec l’aide considérable de Ronan. Une partie de cela est une simple question de mise en scène et de présence sur scène – à la fois la nouvelle du meurtre de Duncan et la scène du banquet après le couronnement sont maintenant autant la sienne que celle de son mari, le personnage s’imposant à la procédure avec la confiance d’abord du co-conspirateur. puis de reine.

Beaucoup plus audacieuse, cependant, est son démêlage avec le meurtre de la famille de Macduff. Non seulement Lady Macbeth reçoit les lignes du messager avertissant Lady Macduff des assassins qui approchent, mais elle est dans la pièce pour assister au massacre, qui est brutalement exécuté de manière choquante. La réponse horrifiée de la reine est si étonnamment bien transmise par Ronan qu’il est concevable que Lady Macbeth succombe par la suite à une forme de SSPT. Cette scène à elle seule est époustouflante, superbe théâtre.

Pour sa part, McArdle (Anges en Amérique, Pair Gynt, la récente vedette de Kate Winslet Jument d’Eastwick) est un Macbeth merveilleusement fougueux, énergique, de chair et de sang, qui maîtrise totalement le verset. Il rend la prévarication initiale trop crédible, et donc la rupture totale avec la raison et la moralité – dans tout ce va-et-vient, quelque chose doit donner. Entre les mains de McArdle, ce Macbeth ressemble à l’envers d’Hamlet.

Il est drôle aussi, donnant vie à des lignes jetables (“C’était une nuit agitée”) et faisant du foin avec la conception très originale du banquet de Farber, qui semble se dérouler dans une salle de bal plutôt qu’une salle à manger, avec les Macbeth – dans robe turquoise et kilt moulant – dansant sur “We’ll Meet Again” de Vera Lynn (un bon vol des sœurs, bien sûr) et McArdle brillamment comique alors que le fantôme de Banquo continue de prendre sa chaise. Quelle touche d’inspiration de lui faire gratter l’arc de la violoncelliste sur ses cordes alors qu’il lui dit : « Je suis baigné de sang.

Le casting de soutien est uniformément excellent, se jetant dans les rôles avec une passion qui élève des scènes qui ressemblent si souvent à du remplissage – l’alliance difficile de Malcolm (Michael Abubakar) et Macduff (Emun Elliott) en est un bon exemple, leur débat exceptionnellement vivant, et reflétant la compréhension de l’auditoire que trop peu de dirigeants remettent en question leur aptitude à gouverner.

Parfois, la passion de la production menace d’engloutir le public au premier rang. Mais les éclaboussures occasionnelles du robinet, ou pendant le combat culminant (le déchaînement des cieux par l’homme beaucoup plus dangereux que Burnham Wood en mouvement) est un petit prix à payer pour une dramatisation aussi convaincante et élémentaire que celle-ci.

Mais finalement, c’est le rendu des Macbeth qui s’attarde, en couple emporté par l’excès de confiance de la jeunesse et mal armé pour les conséquences. Soudain, l’intention meurtrière de « Nous ne sommes que jeunes en action » sonne comme une lamentation : « Nous ne sommes que jeunes, en effet. »

Lieu : The Almeida Theatre, Londres
Acteurs : James McArdle, Saoirse Ronan, Michael Abubakar, Ross Anderson, Aoife Burke, Emun Elliott, William Gaunt, Akiya Henry
Dramaturge : William Shakespeare
Réalisateur : Yaël Farber
Scénographe : Soutra Gilmour
Costumière : Joanna Scotcher
Musique : Tom Lane
Concepteur d’éclairage : Tim Lutkin
Concepteur sonore : Peter Rice
Présenté par l’Almeida