Keri Russell combat un monstre et une fatigue d’horreur de prestige dans ‘Antlers’

Il y a quelques semaines, juste à temps pour la sortie de Halloween tue, Jézabel Riche Juzwiak mettre sur pied un superbe coupe de toutes les fois que Jamie Lee Curtis a déclaré à la presse que le film, qui n’est pour la plupart qu’un film brutal et sarcastique, parle vraiment de “traumatisme”. C’est une vidéo amusante dans les termes les plus simples, la façon dont Curtis arrondit et aplatit le “auma”. Mais cela montre également de manière assez significative comment le public se fait dire à plusieurs reprises de traiter les films d’horreur de nos jours. Rare dans les années 2020 est le film effrayant qui existe uniquement pour effrayer et ravir. Non : l’horreur d’aujourd’hui a besoin d’un but plus élevé, d’un sens plus grand, pour s’inscrire véritablement dans l’après-Sortez, Publier-Babadook, Publier-Héréditaire monde.

On a donc un film comme Scott Cooper‘s Bois (dans les salles le 29 octobre) – un film tourné au cœur de l’ère Trump, retardé par COVID, et trébuchant maintenant dans des multiplexes avec son message en lambeaux porté en l’air. Bien qu’il s’agisse d’une création résolument 2018, Bois pouvait encore parler à l’ici et maintenant. Le film concerne, vaguement, le cataclysme environnemental croissant et, moins vaguement, les épidémies de drogue qui ont frappé l’Amérique au cours des deux dernières décennies. Produit par Guillermo del Toro mais ne présentant aucune de sa fantaisie inventive, Bois est un film de monstre avec quelque chose à dire. Ou, du moins, c’était l’intention. Peu de clarté peut en fait être tirée de la création humide de Cooper, un film superficiel et austère qui respecte par cœur le mandat selon lequel l’horreur doit et devrait offrir un commentaire personnel ou social profond.

Le film nous emmène dans les régions pluvieuses de l’Oregon, une ville côtière déprimée ravagée par les opioïdes et la méthamphétamine, où les épaves massives de l’industrie passée symbolisent les ravages subis par ce paysage naturel autrefois vierge. Quelque chose dans la terre, ou quelque chose de très vieux et de la terre, est en colère. Cette fureur et cette angoisse prennent la forme d’une imposante créature de vengeance. Tout comme Godzilla est né d’un Japon irradié, la menace impie de Bois sort en rugissant d’une petite ville empoisonnée des États-Unis.

Bois est basé sur la nouvelle « The Quiet Boy » de Nick Antosca, qui a écrit le scénario du film avec Cooper et C. Henri Chaisson. Ils ont déplacé l’action de la Virginie-Occidentale vers le nord-ouest du Pacifique et ont insufflé aux personnages tout un tas de pathos supplémentaires – des traumatismes, si vous voulez. Keri Russell joue Julia, une institutrice qui est revenue de Californie dans sa ville natale, hantée par les souvenirs d’une enfance horrible mais qui essaie maintenant de s’en sortir tout en restant avec son frère shérif, Paul (Jesse Plemons), dans la maison où ils ont grandi. Julia développe un lien provisoire avec un étudiant en difficulté, fragile et harcelé Lucas (Jeremy T. Thomas), un enfant vivant dans la misère qui semble cacher des secrets que Julia pense comprendre de manière unique.

Que quelqu’un qui a tant souffert que Julia revienne si directement à la source de cette souffrance est peut-être un sujet de débat psychologique. Mais la logique émotionnelle confuse de ce personnage est la moindre des tensions narratives créées par Bois, qui tente d’invoquer rien de moins que le chagrin collectif des peuples autochtones d’Amérique pour raconter son histoire allégorique (?) de jugement.

Le mythe du Wendigo – un esprit maléfique qui peut transformer les humains en bêtes assoiffées de sang – est davantage la tradition de l’est et du centre de l’Amérique du Nord. (Alors que le Wechuge était censé traquer le nord du Canada et de l’Alaska.) Mais il a été importé en Oregon pour Bois, et reçoit une brève explication dans une scène par un personnage joué par Graham Greene. Il est presque entièrement absent du reste du film, qui se concentre carrément sur les personnages blancs alors qu’ils naviguent dans l’horreur de la ruine économique et des retombées de la peste narcotique – et, bien sûr, de ce traumatisme embêtant.

Surchargé thématiquement, Bois n’a presque plus de place pour réfléchir vraiment. Il ne fait que des connexions esthétiques lâches entre le viscéral, le métaphysique et le politique. Cooper se délecte sinistrement de ses images ornées et élégantes de pourriture – des corps noueux et desséchés, une ville entière au fond du néant. Il entasse tous les signifiants abrégés courants de l’Amérique en germe – tout ce qui manque est un drapeau Trump – mais fait peu pour les ramasser et les examiner. Toute cette vraie douleur et lutte n’est qu’une simple toile de fond, là pour donner du poids à une purée de monstre sanglant parce que nous ne pouvons plus simplement faire une purée de monstre sanglant.

Comme Bois fait sa joyeuse tournée du fléau d’une nation, Cooper gère quelques frayeurs déchirantes construites à partir d’une tension épouvantable. Mais ces moments ne peuvent pas faire grand-chose pour lutter contre le sentiment imminent que beaucoup de choses sont grossièrement utilisées ici, des maux de société à la fois anciens et contemporains exploités pour servir l’estime de soi du film – avec beaucoup moins d’attention aux communautés que le film a exploitées. en tant que ressource. Bois est un témoignage des limites de la soi-disant horreur élevée, en particulier celle qui implique vigoureusement une pertinence urgente en son cœur. Le film offre une représentation mais pas les nuances de la compassion, il revendique un sens sans preuve d’une véritable compréhension.

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